viernes, 6 de octubre de 2023

Orígenes del rock and roll

El rock and roll como tal, tiene sus orígenes en los años 1950, pudiendo observarse, sin embargo, elementos propios de este género en producciones de Rhythm and blues que datan incluso de los años 1920. En los orígenes del rock and roll existía una combinación de elementos de blues, boogie woodgie, jazz y rhythm. El género también estaba influenciado por géneros tradicionales como el Hillbilly, la música folk de Irlanda, la música gospel y la música country. Regresando aún más atrás en el tiempo, se puede trazar el linaje del rock and roll hasta el antiguo distrito Five Points de Nueva York a mediados del siglo XIX, que fue el escenario de la primera fusión entre la música africana fuertemente rítmica y los géneros europeos.

Rock and roll


El término rock and roll se coló en la música espiritual negra en el siglo xix, pero con un significado religioso, y fue grabado por primera vez en soporte fonográfico en 1916.

Antes de 1947, la única gente que solía hablar de "rocking" eran los cantantes afroamericanos de gospel. "Rocking" era un término usado por los afroamericanos para denominar la "posesión" que experimentaban en determinados eventos religiosos, y el término también hacía referencia al poderoso ritmo que se hallaba en la música que acompañaba dicha experiencia religiosa. Esta música llegó a ser tan poderosa y popular, que casi cada artista afroamericano sacaba un disco de este nuevo género.

Origen del término

En la década de 1940, el término "rock and roll" se empleaba ya en las valoraciones de grabaciones discográficas del periodista y columnista de Billboard Mauri Orodenker. En la edición del 30 de mayo de 1942, por ejemplo, describió la voz de Rosetta Tharpe en la reedición de "Rock Me" como "un canto espiritual de rock and roll".

R&B (acuñado en 1949) era un término demasiado ambiguo, porque R&B era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el góspel. Cualquier otro estilo era considerado R&B pero como esta música rocking era nueva y revolucionaria, necesitaba un nuevo nombre, así que los disc jockeys, liderados por uno de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarlo rock and roll. Esto sucedió en 1951 y muchos DJ's usaron ese término, que también era utilizado para comercializar la música a una audiencia más amplia.

Significados del término

Un significado doble e irónico surgió en 1947 gracias a la canción Good Rocking Tonight del cantante de blues Roy Brown en la cual la palabra rocking era aparentemente acerca de bailar pero podía tratarse de una alusión sutilmente velada al sexo.

La versión definitiva de esta canción la hace Elvis Presley, en 1954. Estas dobles intenciones no eran nada nuevo en la música blues (que estaba mayormente limitada a las rocolas y los clubes) pero eran desconocidas en las transmisiones de radio. En general, el término rocking, adquirió un nuevo significado: el sexo.

El Rock and Roll, como ya se mencionó, tuvo su origen en la fusión de distintos géneros de música afroamericana. En 1947Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight", que era una parodia del góspel, donde, en lugar de "rockear" al Señor, él ponía a gente de iglesia como Deacon Jones y Elder Brown a "rockear" de modo no religioso (bailar de un modo vulgar, o altamente sexual). Tras el éxito de la primera versión de "Good Rocking Tonight" muchos otros artistas de rhythm and blues usaron títulos similares a fines de los años 1940, incluyendo una canción llamada "Rock and Roll" grabada por Wild Bill Moore en 1949. Estas canciones estaban relegadas a las tiendas de race music (el alias que usaba la industria de la música para referirse al rhythm and blues) y eran apenas conocidas por las audiencias blancas. Nótese que en aquella época estaba presente la alta discriminación racial en los Estados Unidos.

Wynonie Harris grabó una versión del disco de Brown, también en 1947, pero lo iba a convertir, tomando como base lo que sucedió después, en una de las grabaciones más importantes de la historia de la música. Cogió la broma de Brown, sobre la gente de iglesia "rockeando", pero como añadido a la parodia, cambió el ritmo a un compás y ritmo de góspel, fusionando de ese modo góspel y blues de un modo innovador. Cuando la versión de Wynonie Harris de "Good Rocking Tonight" se grabó en diciembre de 1947 y entró en listas en 1948, comenzó una revolución. Aunque Harris no era el primero en cantar blues con un compás góspel, ya que otros como Big Joe Turner lo habían estado haciendo durante años, fue el disco de Harris el que comenzó la moda del rocking en el blues y el R&B de finales de los 40. Tras el disco de Harris, la onda expansiva de canciones de blues rocking, hizo que todo artista negro sacase un disco de rocking blues en 1949 o 1950. Hubo una prohibición de grabar durante el año 1948, por lo que muchos de los discos que se grabaron a principios de 1949 se habían grabado realmente en secreto en 1948. Una de dichas grabaciones era el "Rocking At Midnight" de Roy Brown, que fue su respuesta a la versión de Wynonie Harris de su "Good Rocking Tonight". En 1952 y 1953, el "rock and roll" se estaba caracterizando cada vez más por dulces baladas de amor de grupos vocales adolescentes con nombre de pájaro, como Crows, Ravens, Orioles, Cardinals, y otros de ese mismo estilo. Normalmente, las caras B de dichos discos eran temas rápidos para el baile, que fueron llamados "rockers". En las diversas partes de los Estados Unidos, la gente les iba añadiendo sus influencias locales:

  • En las ciudades del norte, las comunidades italiana y puertorriqueña tocaban "rock and roll" a su manera.
  • En la costa oeste, los chicanos lo tocaban en castellano.
  • En el sur, los cantantes de country añadían "rock and roll" a su "hillbilly boogie" y nacía el "rockabilly".
  • Los cajun en Luisiana añadían "rock and roll" a su música, y nacía el zydeco.
  • Los ingleses añadían "rock and roll" a su música y nacía el "skiffle".
  • Los jamaicanos añadían "rock and roll" a su música y nacía el "Ska", que evolucionó al "Rocksteady" y más tarde (mediados de los 70's) el "Roots Rock Reggae"

Todo esto sucedía a principios de los 50, La primera vez que el "rock and roll" aparecía en la televisión estadounidense fue el 2 de mayo de 1954, cuando The Treniers aparecieron en The Colgate Comedy Hour siendo los anfitriones Jerry Lewis y Dean Martin. Esto es mucho antes de que Elvis apareciera en televisión.

Explosión de los años 1954-1960

Hubo una gran explosión entre 1954 y 1960. Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y otros estaban tocando rock and roll perfectamente desarrollado. Algunos lo describen como un momento mágico en un estudio de grabación, con músicos pasando el rato durante un descanso y tocando algo no ensayado, y de repente, accidentalmente inventan un tipo de música completamente nueva. Cuando el rock and roll se arraigó por completo tras la llegada del rockabilly, y más aún con la invasión británica de principios de los años 1960, se convirtió en una música basada en la guitarra, y los guitarristas, buscaban de modo natural a otros guitarristas como pioneros de la música. Así, las compañías discográficas se mostraron interesadas en reeditar el material antiguo en tanto y cuanto hubiese un guitarrista al frente. Pero el rock and roll de antes de 1954 estaba basado en el saxofón, con muy poca guitarra. Y mientras el saxo se había retirado virtualmente del rock and roll a partir de 1956, muchas de las estrellas primigenias permanecieron olvidadas. Lo mismo con el piano, que fue probablemente el instrumento en el que se tocó rock and roll por primera vez. A mediados de los años 1950, cuando el rock and roll era popular, cada compañía discográfica importante tenía unas cuantas megaestrellas que intentaban vender. Y luego surgieron los Beatles, grupo que marcaría una revolución, no solo en el aspecto musical, si no también en la moda, y la sociedad misma. Con ellos se daría el fenómeno conocido como "la ola inglesa". El movimiento a su vez influyó en muchas agrupaciones estadounidenses (como los byrds) alcanzaría su punto más álgido en 1965 y 1967.



Como toda música, el rock and roll, desarrolló bastantes géneros, y uno bastante conocido, el rock.

domingo, 15 de abril de 2012

CopLand Buen reparto, buena interpretación, buena película

Críticas de "CopLand"
CopLand
Interesante
James Mangold
(1997) 


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36 de 46 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Txarly   Qingoco (China)
Su valoración: Buena 13 de Abril de 2006
Stallone quería que le reconociesen sus registros interpretativos (por lo menos en el Actor's Studio) y el pavo engordó quince kilos para meterse en la piel de su personaje (y no era Acción de Gracias). La verdad es que el tío lo hace genial, por momentos hasta lo borda, pero toda la caspa del pasado no se puede borrar de un sólo plumazo, y claro, pues los entendidos y los gentiles... le bajan nota, unos queriendo y otros por inercia. Una pena porque lo hace muy bien el angelito.

El argumento es notable y creo que CopLand es una película algo infravalorada. Posee un ritmo notable y todos los actores que acompañan a Rambo (o Rocky según se mire) actúan de manera mejor que buena... mmm... buenísima quiza? Robert de Niro es el que se cae de todos ellos. Harvey Keitel un fenómeno al igual que Liotta. El desenlace previsible no empaña su desarrollo. Buena película.

sábado, 14 de abril de 2012

Lunes tormentoso

Lunes tormentoso
Interesante
Mike Figgis
(1987) 


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6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil.
JOSELP   LAS PALMAS (España)
Su valoración: Interesante 18 de Enero de 2009
El debut de Mike Figgis (Leaving Las Vegas) en la dirección se produjo en 1987 con esta interesante muestra de cine negro británico, protagonizado por una estupenda Melanie Griffith (qué buena actríz es y qué poco aprovechada), un jovencísimo Sean Bean (que tiene algunas escenas de desnudo integral que harán las delicias de quienes lo descubrieran en El señor de los anillos), un Tommy Lee Jones en plan malo malísimo y el cantante Sting, que no se defiende nada mal como actor. Figgis demuestra un pleno dominio de la puesta en escena, gracias a una fotografía elegante y una adecuada utilización de la música. Como historia gansteril no es nada del otro mundo, mientras que la historia de amor permanece más en la memoria gracias a las buenas actuaciones de Griffith y Bean.

sábado, 23 de julio de 2011

George Gershwin

 

George Gershwin

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George Gershwin en un retrato fotográfico de Carl Van Vechten, marzo de 1937. Library of Congress

Nacimiento

26 de septiembre de 1898
clip_image003 Brooklyn, Nueva York, Nueva York, Estados Unidos de América

Fallecimiento

11 de julio de 1937 (38 años)
clip_image003[1] Beverly Hills, California,Estados Unidos de América

Ocupación

Compositor y pianista.

George Gershwin (Brooklyn, Nueva York, 26 de septiembre de 1898 - Beverly Hills, California, 11 de julio de 1937), con nombre de nacimiento Jacob Gershovitz, fue un compositor estadounidense.

Primeros años

Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacta, aprendió a tocar el piano. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Franz Liszt, Frédéric Chopin o Claude Debussy. Los referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin yJerome Kern, compositores de Broadway de la época. Su gran sueño era el de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.

Éxitos del momento

Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en una editorial de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, "La, la, Lucille". Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor. A éste siguieron otros títulos como "Lady Be Good, Oh Kay!", "Funny Face, Girl Crazy" y "Of Thee I Sing", que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlín. A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su célebre "Rhapsody in Blue". La obra, despertó cierta polémica, cosa bastante común en los estrenos de las obras de muchos compositores del siglo XX, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas. El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas.

En 1925 compone su Concierto para piano en fa.

Viaje a París

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Swanee

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Al Jolson cantando "Swanee", compuesta por George Gershwin e Irving Caesar en 1919 .


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George Gershwin, con mínimos estudios formales, quiso profundizar en la composición, ya que sus conocimientos eran más bien intuitivos. Las respuestas de los maestros que Gerswhin consultó hablan por si mismas, ya que ninguno de ellos consideró que su conocimiento intuitivo de la música fuera un obstáculo para él. Aunque el especialista en música del siglo XX Alex Ross cree que es una leyenda, se cuenta que intentó ser discípulo de Ígor Stravinski, éste le preguntó: «¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado?». «200.000 dólares», respondió el joven Gershwin. «Entonces yo debería tomar clases con usted», respondió el maestro. Ravel se negó a darle clases, argumentando lo siguiente: «usted perdería su gran espontaneidad melódica para componer en un mal estilo raveliano. ¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?[cita requerida]».

Culminación de su carrera

En 1935 Gershwin estrena su ópera Porgy and Bess, un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos. A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo. Luego de Porgy y Bess, George Gershwin comenzó a componer música para películas. Ese mismo año se mudó a California y escribió “Shall we dance?” (¿Bailamos?) para Fred Astaire y Ginger Rogers, y “A damsel in distress” (Una damisela angustiada) para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen. A comienzos de 1937 comenzó a experimentar dolor de cabeza, mareos y desmayos. Los análisis no revelaron ninguna causa aparente, pero el dolor de cabeza se incrementó con mayor frecuencia y severidad hasta que el 9 de julio Gershwin colapsó en un estado de coma y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La Casa Blanca envió dos destructores para que trajeran de su yate, en la Bahía de Chesapeake donde se encontraba de vacaciones, a uno de los más prominentes especialistas de cerebros. Con el tiempo necesario, el Dr. Dandy alcanzó el aeropuerto Newark en su camino a Hollywood; sin embargo, los cirujanos locales decidieron que era necesario operar a George y se encontraron con una situación desesperante. Gershwin nunca se despertó de su coma y falleció el 11 de julio de 1937, a dos meses y medio de cumplir los 39 años, silenciando prematuramente a una de las voces musicales estadounidenses más frescas y creativas. El novelista John O’Hara resumió la actitud de muchos estadounidenses quienes se rehusaron a creer que Gershwin había muerto cuando dijo, “No lo creeré si yo no quiero”.

Discografía

La producción discográfica sobre la obra de George Gershwin parece muy desequilibrada. Así, mientras son incontables las versiones de Rhapsody in Blue o An American in Paris, la mayor parte de sus comedias musicales permanece inédita o se distribuyen como bandas sonoras de las comedias cinematográficas realizadas a partir de ellas. En los años 90, sin embargo, la iniciativa de Tommy Krasker propició el Leonore Gershwin-Library of Congress Recording and Publishing Project. A través de la colaboración entre la Biblioteca del Congreso y la fundación dirigida por Leonore, viuda de Ira Gershwin, se pudieron recopilar materiales dispersos y localizar partituras parciales. Una vez restaurados, se procedió a la grabación y edición de algunas de las más famosas comedias musicales debidas a la colaboración de ambos hermanos. Por orden cronológico de estreno oficial de las obras, esta iniciativa incluyó:

§ Lady, Be Good (estrenada el 1 de diciembre de 1924). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Guy Bolton y Fred Thompson. Dirección de Eric Stern. Elektra Nonesuch (1992) 7559-79308-2.

§ Oh, Kay ! (8 de noviembre de 1926). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Guy Bolton y P.G. Wodehouse.

§ Strike Up the Band's (5 de septiembre de 1927 en su primera versión, 14 de enero de 1930 en segunda versión). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Geroge S. Kaufman. Dirección de John Mauceri. Elektra Nonesuch (1991) 7559-79273-2.

§ Girl Crazy (14 de octubre de 1930). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Guy Bolton y John McGowan. Dirección de John Mauceri. Elektra Nonesuch (1990) 7559-79250-2.

§ Pardon My English (20 de enero de 1933). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Herbert Fields y Morrie Ryskind. Dirección de Eric Stern. Elektra Nonesuch (1994) 7559-79338-2.

Además, se han aprovechado los cilindros grabados por el propio Gershwin para la edición de dos recopilaciones de obras pianísticas:

§ Gershwin Plays Gershwin: The Piano Rolls volumen 1. Elektra Nonesuch (1993). 7559-79287-2.

§ Gershwin Plays Gershwin: The Piano Rolls volumen 2. Elektra Nonesuch (1995). 7559-79370-2.

Todos ellos en formato CD.

viernes, 22 de julio de 2011

Rory Gallagher (bluesman)

 

Rory Gallagher (Biografía)

 

Rory Gallagher

Rory Gallagher nació William Rory Gallagher (marz 2, 1948 hasta jun 14, 1995)  fue un irlandés de blues-rock multi-instrumentista, compositor y director de orquesta. Nacido en Ballyshannon, Condado de Donegal, Irlanda,  y se crió en Cork, Gallagher grabó discos en solitario a lo largo de los años 1970 y 1980, después formó la banda Taste durante la década de 1960. Un talentoso guitarrista conocido por sus interpretaciones carismáticas y dedicación a su oficio, los álbumes de Gallagher  han vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo.] Gallagher recibió un trasplante de hígado en 1995, pero murió de complicaciones de ese mismo año en Londres, Inglaterra 47 años de edad.

Johnny Winter (bluesman) Biografía

 

JOHNNY BIOGRAFÍA DE INVIERNO
Johnny Winter ha sido un héroe de la guitarra sin igual. La firma con Columbia Records en 1969 frente artista solista más grande llamado de su tiempo, Johnny inmediatamente presentado el anteproyecto para su consideración diferente de blues clásico de una combinación principal de las legiones de fans descubriendo el blues a través de la talla de Jimmy Page y Eric Clapton. Cambia constantemente entre el country blues sencilla en la línea de Robert Johnson, a todos-out eléctrico blues-rock guitarra slide, - Johnny siempre ha sido uno de los cantantes más respetados y jugadores de la guitarra en el rock y el claro vínculo entre la británica de blues-rock y Sur de América de rock (al estilo de los Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd.) A lo largo de los años 70 y 80, Johnny fue el oficial abanderado por el blues, la defensa y ayuda a las carreras de sus ídolos como Muddy Waters y John Lee Hooker.
Crecer en la ciudad áspera y caer poblada por wildcatters campos petroleros y trabajadores de los astilleros, que pasó largas horas escuchando a un DJ local llamado JP Richardson - The Big Bopper de "Chantilly Lace" la fama - y se convirtió en adicto a los años 50 el rock & roll. Formó su primera banda, Johnny y Jammers, en 1959 a la edad de 15 años, con sus 12 años de edad, hermano de Edgar en los teclados. Las tensiones raciales en Beaumont siguen siendo elevadas en aquellos días. La ciudad había sido parte de uno de los peores disturbios raciales en la historia de Texas a sólo nueve meses antes del nacimiento de Johnny. Las turbas vagaban por las calles, los negocios quemados, la ley marcial entró en vigor, y más de 2.000 uniformados de la Guardia Nacional y los Rangers de Texas cerró la ciudad del resto del mundo hasta que los ánimos se enfría. A pesar de la brutal legado, Johnny nunca recuerda sus dudas a un niño a adentrarse en los barrios negro para escuchar y reproducir música. Mirando hacia atrás, cree que la gente en la comunidad negro sabía que era sincero, que realmente estaba poseída por el blues. "Nada sucedió tomo. Fui a los clubes de negro todo el tiempo, y nunca nadie me ha molestado. Siempre me sentí bienvenida. "También se hizo amigo de Clarence Garlow, un disc-jockey en la estación de radio KJET negro de Beaumont. ¿Quién abrió los ojos de invierno y los oídos de blues rural y música cajún. Clarence, que grabó para el sello Goldband Boogie del pantano de especialidad, KRCO, Frolic, diamantes, Moon-Lite, Hall Way y otras marcas regionales.
Hay una famosa historia sobre un momento en 1962 cuando Johnny y su hermano fueron a ver a BB King en un club de Beaumont llamado Cuervo. Los únicos blancos entre la multitud, que sin duda se destacó. Pero Johnny ya tenía el hocico hacia abajo y quería jugar con el BB venerado "tenía unos 17 años", recuerda Johnny ", y BB no quería que me deje en el escenario en un primer momento. Él me pidió una tarjeta de la unión, y yo tenía uno. Además, no dejaba de enviar gente a pedirle que me dejara jugar. Finalmente, decidió que hay suficiente gente que quería escuchar eso, no importa si era bueno o no, valdría la pena que me deje en el escenario. Él me dio su guitarra y me deja jugar. Recibí una ovación de pie, y él tomó su guitarra de nuevo! "
Gran avance el invierno llegó unos años más tarde en 1968, cuando la revista Rolling Stone los escritores Larry Sepulvado y Burks Juan le aparece en un artículo sobre la escena musical de Texas, lo que provocó una guerra de ofertas entre las etiquetas que Colombia finalmente ganó. 
 
 homónimo de Johnny 1.969 discos anunció en voz alta que había una nueva guitarra hondero en la escena nacional nueva. El disco incluye audaces abarca clásicos de blues como BB King "Tenga cuidado con un tonto," Sonny Boy Williamson II "School Girl Good Morning Little", de Robert Johnson "Cuando tienes a un buen amigo" y "Hopkins" compañeros Lightin Texan "Volver Amigo puerta. "También ofreció dos canciones principales de Invierno original," Dallas "y la controvertida" Soy tuyo y yo soy suyo ", fue que en la rotación pesada en la radio FM de metro. El álbum alcanzó el puesto No.24 en el Billboard y fue seguido de inmediato por segundo invierno más tarde ese mismo año.
Mirando hacia atrás, el escritor Cub Koda describe el período como uno en que "en línea recta de Texas con un trío caliente, Invierno hizo blues-rock de los ángeles." El trío, por cierto, incluye el bajista Tommy Shannon, quien llegaría a ser parte de Double Trouble SRV y el baterista tío John Turner. El invierno se quedó con Columbia y de la etiqueta de boutique de Blue Sky para más de una década, resultando tan bien recibido discos como "Johnny Winter Y" (1970), "Still Alive and Well" (1973) y "John Dawson Invierno III" ( 1974).También ayudó a introducir el blues Muddy Waters gigante para una nueva generación de oyentes, produciendo y tocando la guitarra en el ganador de un Grammy "Hard Again" (1977), así como el nominado al Grammy "Estoy listo" (1978), Muddy "Mississippi Aguas Live" (1979) y "King Bee" (1981). Las colaboraciones fueron tan exitosos que Waters tomó a referirse a Johnny como su "hijo adoptivo"!
Johnny se unió a Alligator Records en 1984. Su deseo de grabar nada más que el blues auténtico hecho para un ajuste perfecto. Cuando Johnny Guitar Slinger liberados más tarde ese año, fue aclamado como su mejor (y bluesiest) album nunca, sino que trazó en los dos Billboard y Cashbox y obtuvo una nominación al Grammy. Al año siguiente, Johnny Guitar Slinger seguimiento con un negocio serio. El álbum ganó Johnny potencia su segunda nominación al Grammy con Alligator Records. Tercer Grado, su puesta en libertad Alligator final, salió en 1986. El álbum contó con varios invitados especiales y una gran variedad de estilos de blues. Cohortes original de blues, Tommy Shannon y el tío John "Red" Turner, así como el Dr. Mac " John "Rebennack, todos los invitados hicieron. Johnny también jugó dos cortes acústicos en solitario en la guitarra Siderúrgica Nacional (la primera vez que había jugado el Nacional en el estudio desde 1977).
Johnny estaba viviendo su sueño artístico, el registro nada más que pura discos Alligator blues.His ganado su camino en la radio de rock y un video de la canción no se aprovechen de mí jugar en la incipiente red MTV durante más de seis meses. Pero no importa cuánto álbumes comerciales Johnny éxito de Alligator recibido, nunca comprometió su compromiso con sus raíces.
Hoy Johnny Winter está disfrutando de un resurgimiento sin precedentes de realizar para entradas agotadas en todo el mundo, incluso después de una larga vida llena de honores y logros, como una aparición triunfal en el Crossroads de Eric Clapton Festival con Derek Trucks, Buddy Guy y Clapton que ha sido inmortalizada en el premio Emmy ganador de DVD. En una ceremonia con la presentación en Nashville Slash, Gibson Guitars lanzó la firma de Johnny Winter guitarra Firebird que ha sido su marca querida por muchos años. Un vivo a través de los años 70 DVD es un éxito junto con su CD Live Bootleg Series que han entrado en el Top 10 de Billboard blues. Dos DVDs de instrucción única han sido producidos por Cherry Lane / Hal Leonard a la gratitud de los jugadores de todo el mundo. Siempre uno para ocasiones especiales, que recientemente realizó con los Allman Brothers, en el Teatro Beacon de Manhattan en el 40 aniversario de su debut.
Además de invierno ha sido cabeza de cartel eventos tan prestigiosos como el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Chicago Blues Festival, Festival de Rock de Suecia, Warren Haynes mermelada de Navidad y Rockpalast de Europa vista por millones sólo para nombrar unos pocos. Warner Bros. ha lanzado un DVD del 40 aniversario de Woodstock: ". Meantown blues" 3 Días de Amor y Paz de la Directora de corte que presenta, por primera vez, Johnny tocando su hábito de fumar clásico
Su reciente nominado al Grammy "Soy un bluesman" de discos en Virgin / EMI, sólo ha añadido a su tamaño de Texas reputación. Junto a él en este CD son el guitarrista Paul Nelson, el bajista Scott Spray, dos miembros de su banda actual con aislamiento abrasador gira también consta de Liuzzi baterista Vito.Realización de ahora con un renovado vigor y fuego para decir que él es "nuevo" sería un eufemismo. De hecho, nunca se fue. Él
es mejor que nunca.

Sean Costello (Bluesman)

 

Double Trouble

Sean Costello - "It's My Own Fault"

 

Fue con gran tristeza que he leído de la muerte de Sean Costello, el 15 de abril de 2008 en Atlanta Georgia, un día antes de lo que hubiera sido su cumpleaños número 29. Conocí a este joven gran Bluesman en dos ocasiones diferentes para encontrar lo que ser muy agradable, amable, humilde y de gran talento como escritor, cantante, y guitarrista. Mi corazón está con su familia, colegas, compañeros de banda, y los aficionados.Descansa en paz hermano. Vive a través de su música en CD ya través de este video. Se trata de Sean Costello y banda tocando "Es mi culpa" en la Universidad de Yale (theyale.ca) Calle 1300 Granville en Vancouver, Canadá el 14 de febrero de 2008.

"Hucklebuck" Sean Costello Crossroads Cafe, Amberes 2007

 

'Kansas City Blues' Crossroads, Antwerp 2007

 

"BLUES EN NATURAL D '2007

 

Sean Costello & Jimmy Vivino - All Your Love